PORTAFOLIO
Pilar Márquez Ayala
2015
LaPintura como Expresión de la
Identidad Cultural Latinoamericana
Presentación
Este Portafolio es el resultado de las actividades asignadas en el curso: Arte
Latinoamericano con Énfasis en...
EL MUNDO POLICROMADO
DE CACAXTLA
Orígenes
• Cacaxtla fue construida en el año 300 a.C. se convirtió en el poder
hegemónico de la zona del valle Puebla-Tlax...
Hallazgos
• La zona arqueológica de
Cacaxtla, fue uno de los más
importantes hallazgos del siglo
XX por sus confluencias m...
Vista de la zona arqueológica de Cacaxtla.
Recuperado de: http://turespacio.com/destinos/ruta-arqueologica-de-tlaxcala/
Zona excavada
• Hasta ahora, solo se ha excavado la zona del Palacio, constituido por
laberintos con cuartos, pórticos y p...
Colorido, realismo y simbolismo
• Su arte se distingue por la pintura mural de estilo propio,
recreando aspectos teotihuac...
Mural de la Batalla
• Hay un mural que se destaca por su extensión, colorido, realismo y
simbolismo: Mural de la Batalla, ...
Mural de la Batalla
Edificio B parte norte del Basamento. Mural al fondo
• En su creación participaron al menos 10 pintores, por la decena de
estilos pictóricos observados en la obra. Ambas secci...
• El naturalismo con que se trata la figura humana y la dramática
representación de una batalla hacen pensar en el arte ma...
• El mural representa una sangrienta batalla entre grupos étnicos
distintos, esto por las facciones de los personajes. La ...
Mural izquierdo
Mural izquierdo. Recuperado de: http://www.latinamericanstudies.org/cacaxtla.htm
Mural derecho
Mural derecho. Recuperado de: http://www.latinamericanstudies.org/cacaxtla.htm
Interpretaciones
• Son varias las interpretaciones que se han hecho de esta pintura. El
mural alude al proceso de la guerr...
Conclusión
• Estas pinturas revelan la expresión de una civilización, un gran
conocimiento de otras tradiciones artísticas...
Referencias consultadas
• ESCALANTE, Pablo. (2000). «El arte prehispánico». Consejo
Nacional para la Cultura y las Artes. ...
PINTURA COLONIAL EN
VENEZUELA
Introducción
• Venezuela durante la época prehispánica se encontraba al margen del eje
cultural: norte de México, Centroam...
La Colonia
• El período colonial en Venezuela comprende el tiempo transcurrido entre la
fundación de las primeras ciudades...
Pintura Colonial Venezolana
• Se entiende por pintura colonial la producción pictórica que se realizó o que
se importó dur...
Características de la Pintura Colonial
Venezolana
• La gran mayoría de las piezas están pintadas con óleo o témpera sobre
...
• Los rasgos étnicos en las figuras sólo se encuentran en los cuadros de
ánimas del Purgatorio. Igual sucede con las figur...
Algunos Pintores Coloniales Venezolanos
• Juan José Landaeta (Caracas, activo entre 1763-1810) y Antonio José Landaeta
(Ca...
Biografía de Juan Pedro López
• Nació en Caracas el 23 de junio de 1724 y falleció el 14 de agosto de 1787. Su nombre
figu...
Obras de Juan Pedro López
La Virgen, Reina y Pastora de la Iglesia, 1780
Vendida en Sotheby’s en el 2005
Nuestra Señora de...
La Inmaculada Concepción, 1760. Óleo sobre tela, 195 x 126 cm
Colección Asociación Venezolana Amigos del Arte Colonial Car...
NuestraSeñoradeLaLuz,c.1765
Óleosobretela
193x132.1cm
ColecciónCisneros,Caracas
La pintura está entre las obras más
grande...
En Latinoamérica, durante el
periodo hispánico, la iglesia católica
y sus instituciones relacionadas
como conventos, cofra...
LasbenditasánimasdelPurgatorio,1772
IglesiadelSantísimoCristodelBuenViaje,
Pampatar
El estudio de la iconografía
del purga...
Iconografíade LasBenditasÁnimasdel Purgatorio
• En el lienzo se aprecian cerca de cuarenta figuras distribuidas alrededor
...
Museos de Arte Colonial en Venezuela
• Las obras coloniales pueden contemplarse en numerosos museos del
área metropolitana...
Páginas Web consultadas
• http://es.scribd.com/doc/43215829/Purgatorio-Janeth-Rodriguez-Nobrega
• http://dialnet.unirioja....
ARTE MODERNO EN
VENEZUELA
Introducción
• El arte moderno en Venezuela surgió como consecuencia de una serie de
movimientos ideológicos y protestas c...
Armando Reverón, el pintor de la luz
Caracas, 1889-1954
• Armando Reverón se interesó profundamente por
la acción de la lu...
• En sus paisajes blancos, está basada su fama como el más innovador y, por lo tanto, el
más importante de los primeros ar...
Períodoazul
(1918-1924)
A partir de 1918,
Reverón utilizó azules
profundos para
acentuar los aspectos
nocturnos y oscuros
...
• Hacia 1920 , al regresar de Europa, Armando Reverón pintó en
Caracas una escena algo confusa, nocturna, casi sin luz, ve...
Figura bajo un uvero, 1920. Óleo sobre arpillera
Recuperado de http://www.mfah.org/calendar/artful-thursdays-tango-journey...
Fiesta en Caraballeda, 1924. Óleo sobre lienzo. 67 x 95,5 cm.
Recuperado de http://patrimoniodevargas.blogspot.com/2011/08...
Períodoblanco
(1925-1935)
Hacia 1925, Reverón
simplificó el uso de los
colores en su
investigación sobre el
fenómeno de la...
Cocoteros en la playa, 1926. Óleo sobre tela, 60.5 x 47.2 cm
Recuperado de https://lfranbarc.wordpress.com/2011/01/27/ensa...
El rancho, 1930. Óleo sobre tela, 80 x 65 cm
Recuperado de https://lfranbarc.wordpress.com/2011/01/27/ensayo/
Períodosepia
(1935-1947)
A partir de 1935
comenzó a realizar
cuadros de gran
tamaño y a utilizar el
color sepia. Su obra
D...
Recuperado de http://lasartesenelrepublicano.blogspot.com/2008/11/la-pintura.html
Puerto de la Guaira, 1940. Óleo sobre te...
El Playón, 1942. Óleo y temple sobre coleto, 114 x 148 cm.
Recuperado de http://lasartesenelrepublicano.blogspot.com/2008/...
Páginas Web consultadas
• http://lasartesenelrepublicano.blogspot.com/2008/11/la-
pintura.html
• http://issuu.com/jendselg...
PLURALIDAD DE LA
PINTURA EN VENEZUELA
Introducción
• En Venezuela, el arte de las primeras vanguardias aparece como repercusión
tardía de los movimientos europe...
ElisaElviraZuloaga
Elhiguerote,1945
Óleosobretela
53,4x45,2cm
Caracas, 1920 – 1980.
En un comienzo la obra de Elisa Elvira...
Alirio Rodríguez. 1934, El Callao, Ciudad Bolívar-
Pintor y dibujante venezolano. Premio Nacional de Pintura, XXX Salón Of...
JacoboBorges
LaJugadora,1965
Óleosobretela
150x150cm
Caracas, 1931-
Pintor, dibujante,
cineasta y
escenógrafo.
Esta obra e...
JacoboBorges
HaciaelEste,
Otoño,2011
Utilizando medios
tecnológicos
contemporáneos,
como es la técnica
duborcom con la que...
Mario Abreu. 1919, Turmero – 1993, Caracas
El llamado “maestro de los objetos mágicos”, lejano a los premios y a las biena...
Trío,1954
Óleosobretela,95,3x145cm
Armando Barrios. Caracas, 1920-1999
Su obra, enmarcada en el cubismo se concentró en la...
AlirioOramas.
Cometasypapagayos,1951
Óleo,grafitoytintachinasobretela
73,1x92,1cm
Caracas, 1924-
En 1951 obtiene el Premio...
Sin título, 1955
Acrílico sobre madera, 150,7 x 100 cm
Mateo Manaure, Monagas, 1926-
Su obra ha pasado por distintas etapa...
José Vivenes. Maturín 1977 –
Es uno de los más prolíferos y
talentosos pintores de la nueva
generación. Su especialización...
Cuando pican la cochina (de los después del semáforo), 2009.
Pigmento natural/pintura industrial/óleo/tela, 150 x 185 cm.
Cuando te pintan, 2009. Pigmento natural/pintura industrial/óleo/tela, 107 x 137 cm.
José Luis López-Reus. Caracas, 1966-
Pintor, fotógrafo y artista de medios mixtos. La obra de Pepe López, ingeniero civil ...
E 23, 2011. Acrílico sobre lienzo, 150x90 cm.B 30, 2012. Acrílico sobre tela, 45 x 35 cm.
Jaime Gili. Caracas, 1972-
A tra...
Páginas web consultadas
• http://www.produccioncientifica.luz.edu.ve/index.php/rlh/article/viewFile
/18449/18437
• http://...
Conlusiones
• Se ha visto a lo largo del desarrollo de este Portafolio como
las diferentes culturas han influido en el des...
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Portafolio: La pintura como expresión de la identidad cultural latinoamericana

Este Portafolio es el resultado de las actividades asignadas en el curso: Arte Latinoamericano con Énfasis en Colombia (4ª edición), impartido por la Universidad Tecnológica de Pereira, a través de la plataforma Miriada X.
Published on: Mar 4, 2016
Published in: Art & Photos      
Source: www.slideshare.net


Transcripts - Portafolio: La pintura como expresión de la identidad cultural latinoamericana

  • 1. PORTAFOLIO Pilar Márquez Ayala 2015 LaPintura como Expresión de la Identidad Cultural Latinoamericana
  • 2. Presentación Este Portafolio es el resultado de las actividades asignadas en el curso: Arte Latinoamericano con Énfasis en Colombia (4ª edición), impartido por la Universidad Tecnológica de Pereira, a través de la plataforma Miriada X. El curso está conformado por los siguientes módulos: Módulo 1: Arte Prehispánico Módulo 2: Arte Colonial Módulo 3: Modernidad en el Arte y consecuencias en América Módulo 4: Movimientos universales en la vanguardia a través de Colombia Los temas desarrollados para cada uno de los módulos son los siguientes: Módulo 1: El Mundo Policromado de Cacaxtla Módulo 2: Pintura Colonial en Venezuela Módulo 3: Arte Moderno en Venezuela Módulo 4: Pluralidad de la Pintura en Venezuela
  • 3. EL MUNDO POLICROMADO DE CACAXTLA
  • 4. Orígenes • Cacaxtla fue construida en el año 300 a.C. se convirtió en el poder hegemónico de la zona del valle Puebla-Tlaxcala en México. Su máximo esplendor fue entre (700-900) d.C. tras la decadencia de Teotihuacán. Los Olmecas-Xicalancas llegaron a esta región en el año 800 d.C., pero en el año 1200 d.C. ya la ciudad estaba totalmente abandonada. • Cacaxtla viene del náhuatl cacaxtli, que significa “instrumento para cargar mercancía”, esta actividad se evidencia en uno de sus murales que representa un hombre con caparazón de tortuga y su cargamento.
  • 5. Hallazgos • La zona arqueológica de Cacaxtla, fue uno de los más importantes hallazgos del siglo XX por sus confluencias mayas, teotihuacanas, mixtecas, zapotecas y nahuatlacas. Es un conjunto arquitectónico integrado por cinco cuerpos sobrepuestos. Está situado en una loma que domina un valle dentro del municipio de Nativitas, a 19 km al suroeste de la ciudad de Tlaxcala. Vista de la zona arqueológica de Cacaxtla. Recuperado de: http://tlaxcalaunaexperienciaparavivir.blogspot.co m/2014/01/sitios-arqueologicos.html
  • 6. Vista de la zona arqueológica de Cacaxtla. Recuperado de: http://turespacio.com/destinos/ruta-arqueologica-de-tlaxcala/
  • 7. Zona excavada • Hasta ahora, solo se ha excavado la zona del Palacio, constituido por laberintos con cuartos, pórticos y pasadizos construidos alrededor de la plaza principal orientados en un eje norte sur. Recuperado de: http://www.latinamericanstudies.org/cacaxtla.htm Basamento techado
  • 8. Colorido, realismo y simbolismo • Su arte se distingue por la pintura mural de estilo propio, recreando aspectos teotihuacanos y mayas. Esos murales fueron pintados entre los años 640 y 800 d.C. Recuperado de: http://www.latinamericanstudies.org/cacaxtla.htm
  • 9. Mural de la Batalla • Hay un mural que se destaca por su extensión, colorido, realismo y simbolismo: Mural de la Batalla, que plasma las propias vivencias de los habitantes de la región y refleja la identidad cultural heredada de sus antepasados. En esta pintura pondremos nuestra atención. • Fue creado, según los datos arqueológicos, entre los años 650 y 700 de nuestra era, por un grupo de filiación olmeca-xicalanca. Está ubicado en el Edificio B de la Zona Arqueológica. Este mural está dividido en dos partes por una pequeña escalera, y se convierte así en dos secciones, la del lado este mide 11,74 metros, mientras que la del lado oeste mide 8,99 metros.
  • 10. Mural de la Batalla Edificio B parte norte del Basamento. Mural al fondo
  • 11. • En su creación participaron al menos 10 pintores, por la decena de estilos pictóricos observados en la obra. Ambas secciones se pintaron a partir de la escalera, por el mejor acabado que presentan hacia ese sector, en los extremos apenas se esbozan las figuras. Mural La Batalla. Edificio B. Recuperado de: http://www.latinamericanstudies.org/cacaxtla.htm
  • 12. • El naturalismo con que se trata la figura humana y la dramática representación de una batalla hacen pensar en el arte maya. Sin embargo, sería prematuro asignar una identidad maya a ese sitio. Hoy se piensa que los habitantes de Cacaxtla fueron Olmecas- Xicalanca, un grupo procedente de Tabasco, lugar cercano al área maya, lo cual explicaría el estilo de los murales. • El resultado de investigaciones referidas a los pigmentos utilizados en la obra, indicó que se parecen a los de la zona maya, pero el uso de goma del nopal y el acto de pintar sobre un muro bastante seco y muy texturizado tienen que ver más con la tradición zapoteca. Los colores básicos son: blanco, negro, rojo, café, amarillo y azul, aunque también hay rosa (una mezcla de rojo y blanco) y unos elementos en verde. Los pigmentos en su mayoría son minerales de procedencia local, cal para el blanco, carbón para el negro, hematita para el rojo, goethita para el amarillo, el azul es una arcilla llamada paligorskita, teñida con añil, conocido como azul maya.
  • 13. • El mural representa una sangrienta batalla entre grupos étnicos distintos, esto por las facciones de los personajes. La violencia del combate está muy bien expresada. Los vencedores están ataviados con pieles de jaguar y los vencidos están ataviados como aves con plumaje y joyas de jade. Los jaguares se muestran atacando con lanzas, cuchillos de obsidiana y lanza dardos, infligen mortales heridas a las águilas que caen al piso cubiertas de sangre. Ambas secciones del mural presentan similitudes tanto en los personajes como en las actitudes.
  • 14. Mural izquierdo Mural izquierdo. Recuperado de: http://www.latinamericanstudies.org/cacaxtla.htm
  • 15. Mural derecho Mural derecho. Recuperado de: http://www.latinamericanstudies.org/cacaxtla.htm
  • 16. Interpretaciones • Son varias las interpretaciones que se han hecho de esta pintura. El mural alude al proceso de la guerra: ataque, lucha cuerpo a cuerpo y sacrificio ritual. Pero se sabe que la lucha del águila y el jaguar es símbolo de la lucha del fuego con el agua, del cielo con la tierra, del día con la noche y de la sequía con la lluvia. • Además algunos de los jaguares tienen máscaras de Tláloc, dios de la lluvia, y hay un guerrero-águila de pie, ileso. Este guerrero podría representar al sol de medianoche, cuando las fuerzas nocturnas están triunfando, o al sol en tiempos de lluvias, cuando es débil frente a las fuerzas del agua. • Aunque pleno de realismo, el mural podría representar una alegoría o un intento de propiciar la lluvia. También se sostiene que no se trata de un enfrentamiento real, sino del sacrificio en honor al dios del maíz.
  • 17. Conclusión • Estas pinturas revelan la expresión de una civilización, un gran conocimiento de otras tradiciones artísticas de Mesoamérica, desde la maya hasta la zapoteca y la de la Costa del Golfo. Además, una gran herencia de la tradición teotihuacana. Sin duda un gran legado cultural.
  • 18. Referencias consultadas • ESCALANTE, Pablo. (2000). «El arte prehispánico». Consejo Nacional para la Cultura y las Artes. México • http://www.lajornadadeoriente.com.mx/2014/07/15/el-mural- prehispanico-de-la-batalla-en-cacaxtla-fue-una-obra-colectiva/ • http://www.latinamericanstudies.org/cacaxtla.htm • http://www.revistabuenviaje.com/conocemexico/destinos/tlaxcala/ cacaxtla/cacaxtla.php • http://tlaxcalaunaexperienciaparavivir.blogspot.com/2014/01/sitios- arqueologicos.html
  • 19. PINTURA COLONIAL EN VENEZUELA
  • 20. Introducción • Venezuela durante la época prehispánica se encontraba al margen del eje cultural: norte de México, Centroamérica, parte de Colombia hasta el sur de Perú. El proceso de colonización y desarrollo cultural venezolano se retrasó, debido en parte, a la lejanía geográfica de la provincia con relación a las grandes corrientes migratorias que se dirigían hacia Nueva España y Perú, y también a la incomunicación establecida durante décadas entre Venezuela y España. • Nuestro territorio estaba conformado por seis gobernaciones, aisladas entre sí y dependientes de jerarquías eclesiásticas y jurisdiccionales diferentes. De allí, el carácter sencillo y limitado del arte colonial venezolano en relación con el de otros virreinatos de la época. Además, se tenía la visión de que el territorio no requería de edificaciones monumentales, por las características del medio social y las carencias económicas, tanto del gobierno como del Clero para sufragar la construcción de grandes iglesias, conventos y producciones artísticas como las que existían en México, Perú, Guatemala, Ecuador y Colombia.
  • 21. La Colonia • El período colonial en Venezuela comprende el tiempo transcurrido entre la fundación de las primeras ciudades (Coro, 1527, El Tocuyo, 1545) y la declaración de la Independencia (19 de abril, 1810), pero en el mundo del arte es difícil precisar una fecha, porque durante gran parte del siglo XIX se continuó la realización de obras siguiendo las técnicas y los temas de la producción colonial. Fue una época histórica en que la tradición española rigió en el orden cultural; sin embargo, el intenso proceso de mestizaje, que se inicia desde el mismo momento del descubrimiento, incorporó la cosmovisión de los pueblos aborígenes y de las etnias africanas presentes en estas tierras. • La iniciación del movimiento plástico venezolano se sitúa a mediados del siglo XVII. La expresión artística que caracterizaba ese momento venezolano fue distinta a la de otros países. Fue un período en el que cada región americana empezó a formar el lenguaje artístico y humano, con los rasgos culturales de su propio ambiente.
  • 22. Pintura Colonial Venezolana • Se entiende por pintura colonial la producción pictórica que se realizó o que se importó durante el período histórico en el cual Venezuela formó parte de las colonias españolas. • La imagen religiosa pictórica o escultórica fue el medio pedagógico y catequizante. La iconografía cristiana occidental se estableció como el instrumento ideal de propagación de la fe católica. La pintura colonial venezolana no es ajena a este panorama. • La pintura en Venezuela tuvo su desarrollo durante el siglo XVIII, donde se aprecia el espíritu del barroco (siglo XVII); con la presencia de sutiles formas manieristas, casi inexistente en el XVI (no hay una época con límites cronológicos precisos). • Las imágenes generalmente eran traídas de España, y se hallaban vinculadas a la sensibilidad del arte gótico. Pero no toda la actividad pictórica se redujo a la elaboración de imágenes religiosas. Hay evidencias de pinturas de paisajes, naturalezas muertas y retratos.
  • 23. Características de la Pintura Colonial Venezolana • La gran mayoría de las piezas están pintadas con óleo o témpera sobre soportes de tela que se fabricaban en el Tocuyo y en algunas ocasiones sobre tablas de cedro o caoba. Los pigmentos se importaban de la Nueva España y del continente europeo, aunque ya se producían algunos en nuestro territorio, utilizando materiales de procedencia vegetal como el añil, y colorantes fabricados con sulfatos obtenidos de la tierra como el acije. • Las imágenes se realizaban sobre un fondo neutro que podía ser de color oscuro, de tonalidades brillantes o de color tierra. Las imágenes religiosas con espacios carentes de referencias concretas se interpretan como espacios metafóricos alejados del mundo profano.
  • 24. • Los rasgos étnicos en las figuras sólo se encuentran en los cuadros de ánimas del Purgatorio. Igual sucede con las figuras desnudas apenas detalladas, las cuales representan las almas despojadas de los bienes terrenales. • El tenebrismo era una tendencia artística muy popular en la pintura española de los siglos XVII y XVIII, muestra a las figuras sumidas en una profunda oscuridad, iluminadas en algunas zonas. Estos contrastes daban la idea de la luz divina que baña la imagen. • La pintura colonial se caracteriza en la mayoría de los casos por representar las figuras aisladas para resaltar su importancia, con los atributos u objetos que la identifican, los cuales pueden ser el instrumento de su martirio, su condición social, su vestimenta, una frase o elementos de su profesión. El atributo es el elemento que permitía al devoto identificar la figura, de manera que se podía leer, en sentido figurado, las historias representadas en los cuadros simplemente identificando los objetos que posee la imagen.
  • 25. Algunos Pintores Coloniales Venezolanos • Juan José Landaeta (Caracas, activo entre 1763-1810) y Antonio José Landaeta (Caracas, activo 1748-1799), José de Zurita (Caracas, activo 1695-1753), Francisco José De Lerma y Villegas (Caracas, activo 1719-1753), José Lorenzo de Alvarado (Mérida, activo 1788-1805), Pedro Juan Álvarez Carneiro (Caracas, activo 1669-1761), Francisco Contreras (Caracas, activo 1767-1819), Fray Fernando de la Concepción (Caracas, activo 1656-1683), Francisco Hernández (Caracas, activo 1717-1719), Luis Francisco Maldonado (Caracas, activo 1710- 1751), Francisco Atilano Moreno y Carrasquel (Caracas, activo 1695-1763), José Antonio Peñaloza (Caracas, activo 1776-1803), Alonso de Ponte (Caracas, activo 1749-1780), Lorenzo Ponte (Caracas, activo 1736-1752), Porras (El Tocuyo, activo 1768), José Francisco Rodríguez (Caracas, activo 1747-1808), Manuel Zenón Romero (Caracas, activo en las primeras décadas del siglo XIX), J.P. Torres (Caracas, activo 1783) y J.M. Xédler (Caracas, activo 1774-1835), Fabiana González (activa en 1704), primera mujer reconocida históricamente que se desempeña en el oficio de pintor, Juan Pedro López (Caracas, activo 1724-1787). Más de este destacado pintor a continuación.
  • 26. Biografía de Juan Pedro López • Nació en Caracas el 23 de junio de 1724 y falleció el 14 de agosto de 1787. Su nombre figuró como Maestro Pintor, Tallador, Escultor, Dorador y Tasador. Su estilo pictórico estuvo enfocado dentro de ciertos rasgos de los artistas españoles Bartolomé Esteban Murillo (1617-1682), José Antolinez (1635-1675), Mateo Cerezo (1637-1666) y el mexicano Miguel Cabrera (1695-1768), de quienes se conocían algunas de sus obras a través de grabados. Las obras de Juan Pedro López demuestran un sentido del espacio y de las dimensiones, un conocimiento del concepto de construcción lineal, y un gusto por el color que prueban su dominio del oficio. Su lenguaje pictórico denota soltura del dibujo, correcta composición y armonía de valores. En sus obras se puede identificar la tendencia a llenar el lienzo con la totalidad de la figura. Los reflejos del barroco, casi extinguido en Europa, llegaron a Venezuela , bien entrado el siglo XVIII, dejando su huella en la producción pictórica del artista caraqueño. Sus creaciones iban más allá de lo pictórico al estar ricamente enmarcadas con profusión de tallas, volutas y dorados. Su obra, aunque muy desigual, mantiene un conjunto de rasgos comunes, los cuales definen la personalidad y originalidad del pintor. Su copiosa producción, casi toda de género religioso, se encuentran en diferentes colecciones privadas y públicas, en especial en el Museo de Arte Colonial Quinta de Anauco, en la Catedral y en la Iglesia de San Francisco, en Caracas.
  • 27. Obras de Juan Pedro López La Virgen, Reina y Pastora de la Iglesia, 1780 Vendida en Sotheby’s en el 2005 Nuestra Señora de la Merced, 1767. Óleo sobre tabla. 41,4 x 30,5 cm Galería de Arte Nacional, Caracas-Venezuela Recuperado de http://commons.wikimedia.org/wiki/File%3AJuan_Pedro_L%C3%B3pez.JPG Recuperado de http://www.arcadja.com/auctions/es/lopez_juan_pedro/artista/300367 /
  • 28. La Inmaculada Concepción, 1760. Óleo sobre tela, 195 x 126 cm Colección Asociación Venezolana Amigos del Arte Colonial Caracas Recuperado de http://www.pintoreslatinoamericanos.com/2012/09/pintores- venezolanos-juan-pedro-lopez.html Nuestra Señora del Rosario. Óleo sobre madera. Marco original de Domingo Gutiérrez (1709-1793). Vidrio original Museo de Arte Colonial, Caracas Recuperado de http://www.belden.comeze.com/32297/nuestra- senora-del-rosario.html
  • 29. NuestraSeñoradeLaLuz,c.1765 Óleosobretela 193x132.1cm ColecciónCisneros,Caracas La pintura está entre las obras más grandes de López, probablemente fue comisionada para algún templo o convento caraqueño. Durante la restauración de la pieza se eliminó un repinte de fecha posterior que dejó al descubierto el cuerpo de un joven –alma– que es liberada del fuego del infierno por intercesión de la Virgen. La figura del adolescente ha debido ser suprimida y sustituida por un cetro (todavía visible en la obra) el año de 1770 cuando por disposiciones canónicas se modifica la iconografía de Nuestra Señora de la Luz y el obispo ordena la corrección de las imágenes más antiguas. Recuperado de http://www.coleccioncisneros.org/es/collections/arte-colonial
  • 30. En Latinoamérica, durante el periodo hispánico, la iglesia católica y sus instituciones relacionadas como conventos, cofradías y hermandades fueron los grandes patrones del arte. Esta pintura de gran formato del maestro caraqueño es un buen ejemplo del mecenazgo eclesiástico. La obra, una de las tres que sobreviven de una serie completa de los doce apóstoles, fue comisionada hacia 1770 al maestro López para el convento de las monjas Concepciones en Caracas. Fundado en 1636, el convento fue el más antiguo y rico de la ciudad hasta su extinción en 1874. SanMateo,c.1770 Óleosobretela 138.4x95.9cm ColecciónCisneros,Caracas Recuperado de http://www.coleccioncisneros.org/es/collections/arte-colonial
  • 31. LasbenditasánimasdelPurgatorio,1772 IglesiadelSantísimoCristodelBuenViaje, Pampatar El estudio de la iconografía del purgatorio en la pintura venezolana del siglo XVIII, es un reflejo del imaginario colectivo y de las creencias de la época sobre el más allá. Las imágenes se prestaban para mantener vivo el temor a un castigo eterno y asegurar la continuidad de las prácticas piadosas, muy lucrativas para la Iglesia. Recuperado de http://es.scribd.com/doc/43215829/Purgatorio-Janeth-Rodriguez- Nobrega
  • 32. Iconografíade LasBenditasÁnimasdel Purgatorio • En el lienzo se aprecian cerca de cuarenta figuras distribuidas alrededor de la imagen de San Miguel Arcángel, en tres planos. En el superior, la Santísima Trinidad y la Virgen María, rodeada de santos, vestida con la tradicional túnica roja y el manto azul, que ruega por el alivio de las penas de las ánimas. En el centro destaca la figura de San Miguel Arcángel, quien porta una espada flamígera y una balanza donde se observan la buena obras que sacarían a las almas del purgatorio: las indulgencias, el rosario, el cordón franciscano, el escapulario carmelita, etc, lo cual es una representación metafórica del poder de las oraciones. Hay ángeles que auxilian a las ánimas, aludiendo al ángel custodio del creyente. En el plano inferior, muchas ánimas, entre ellas, un rey, un papa, un cardenal, un obispo, los cuales se identifican por sus tocados y representan el poder, esto indica que en el purgatorio todos son iguales. Asimismo, hay ánimas que representan las diversas razas, blancos, negros, mestizos, indios, es decir, todos comparten el mismo destino.
  • 33. Museos de Arte Colonial en Venezuela • Las obras coloniales pueden contemplarse en numerosos museos del área metropolitana de Caracas como el Museo de Arte Colonial Quinta de Anauco, el Museo de Arte Sacro, las exposiciones temporales de la Galería de Arte Nacional, la Colección de Imaginería Colonial de la Universidad Simón Bolívar. De igual modo varios templos aún conservan su preciado patrimonio como la Catedral de Caracas y la Iglesia de San Francisco, entre otros. En el resto del país puede visitarse el Museo de Arte Colonial de Mérida, el Museo Arquidiocesano de Coro, Museo El Tocuyo, el Museo Arquidiocesano Obispo Lazo en Maracaibo, Museo de Arte Colonial de Barquisimeto y las iglesias y catedrales de la época que aún conservan numerosas piezas.
  • 34. Páginas Web consultadas • http://es.scribd.com/doc/43215829/Purgatorio-Janeth-Rodriguez-Nobrega • http://dialnet.unirioja.es/descarga/articulo/2016587.pdf Carlos Duarte • http://arteenvenezuela20122.blogspot.com/p/blog-page.html • http://artecolonialvenezuela.blogspot.com/ • http://www.pintoreslatinoamericanos.com/2012/09/pintores- venezolanos-juan-pedro-lopez.html http://www.coleccioncisneros.org/es/collections/arte-colonial • http://artecolonialvenezuela.blogspot.com/2009/04/algunos-pintores- coloniales-venezolanos.html • http://commons.wikimedia.org/wiki/File%3AJuan_Pedro_L%C3%B3pez.JPG • http://artecolonialvenezuela.blogspot.com/2009/04/algunos-pintores- coloniales-venezolanos.html • http://artescolonialesvenezolanas.blogspot.com/
  • 35. ARTE MODERNO EN VENEZUELA
  • 36. Introducción • El arte moderno en Venezuela surgió como consecuencia de una serie de movimientos ideológicos y protestas contra los métodos de enseñanza aplicados por los maestros de la Academia de Bellas Artes de Caracas. De esta manera, se rompió la tradición artística y se originó El Círculo de Bellas Artes, en 1912, con una concepción democrática del arte, abierta al pensamiento crítico y a los signos del progreso, al que se une todo el ámbito artístico. • Los primeros planteamientos plásticos son los conceptos en torno a la luz y la naturaleza, la renovación se inicia con la adopción de ciertos principios impresionistas que, aplicados a la naturaleza tropical, funcionaban perfectamente. • A la primera generación de artistas del Círculo de Bellas Artes, pertenecen: Manuel Cabré, 1890-1984; Armando Reverón, 1889-1954; Antonio Emilio Monsanto, 1890-1947; Próspero Martínez, 1885-1959; Rafael Monasterios, 1884- 1961. • La modernidad plena en Venezuela, nace a la luz con Armando Reverón, pintor de luces.
  • 37. Armando Reverón, el pintor de la luz Caracas, 1889-1954 • Armando Reverón se interesó profundamente por la acción de la luz sobre las formas que se dedicó a plasmar en el lienzo. Es en el litoral central de Venezuela, donde capta y transmite el impacto de la luz tropical. Su obra es de naturaleza poética y sugerente. • Entusiasta del impresionismo francés, su pintura evolucionó hacia la abstracción y el simbolismo. Sus temas preferidos fueron el paisaje y el desnudo femenino. Adelantado a su tiempo, manejaba conceptos que bien se podrían ubicar dentro del Land Art, Arte Povera, Objetualismo, Arte Conceptual, Performance, Instalación… • La obra de Armando Reverón, pasó por diferentes etapas conocidas como Períodos azul, blanco y sepia.
  • 38. • En sus paisajes blancos, está basada su fama como el más innovador y, por lo tanto, el más importante de los primeros artistas modernistas de Venezuela. Podría considerarse un impresionista sin color, que trata de fijar lo inasible, el movimiento y la fugacidad sustancial de las cosas, el espíritu de la materia que las forma. La materialidad de la obra se funde con el énfasis en lo óptico, una luminosidad melancólica que es reflejada por la superficie del lienzo, que al mismo tiempo representa la luz. Con pocas pinceladas, trazos, manchas y raspaduras logró efectos inéditos, otorgando nuevos valores a los diferentes motivos pictóricos. • En 1933, sufrió su primera crisis nerviosa, luego de una terapia, el pintor se interesó cada vez más por el blanco. En 1945, el artista sufrió una nueva crisis nerviosa. Realizó dibujos y bocetos a lápiz, carbón y tiza. Ya fuera de la clínica, entre 1946 y 1953, abordó en su obra gran cantidad de motivos desarrollados con diversas técnicas. • Hacia el final de su vida, invirtió cada vez más tiempo en la realización de sus objetos y en simplificar sus recursos expresivos. • Reverón dejó más de quinientas obras y construyó más de sesenta objetos. Es el artista que más comentarios críticos ha generado en Venezuela y ha comenzado a tener importancia decisiva en el arte internacional
  • 39. Períodoazul (1918-1924) A partir de 1918, Reverón utilizó azules profundos para acentuar los aspectos nocturnos y oscuros del paisaje, el desnudo y el retrato observando la luz a medida que ésta se mezclaba con la atmósfera del paisaje marino del trópico. A este período pertenecen las obras Juanita, 1919; La Cueva,1920; La trinitaria, 1922; y Fiesta en Caraballeda, 1924, obra que marca el paso del período azul al blanco La Cueva, 1920. Óleo sobre tela, 104 x 157 cm Recuperado de http://venciclopedia.com/index.php_
  • 40. • Hacia 1920 , al regresar de Europa, Armando Reverón pintó en Caracas una escena algo confusa, nocturna, casi sin luz, velada, de colores malva, esmeralda, vino, desde donde dos mujeres blancas inclinadas observan al espectador desde las sombras que cubren sus ojos . En esta pintura, La cueva, una de las majas cubre con su mano el pecho, señalándolo, y la otra luce un crucifijo en el centro de sus senos, mientras un tercer personaje se desvanece en el fondo del cuadro. • Se ha dicho de esta pintura que es una escena goyesca, pero no macabra, sino en la rememoración de la belleza maja.
  • 41. Figura bajo un uvero, 1920. Óleo sobre arpillera Recuperado de http://www.mfah.org/calendar/artful-thursdays-tango-journey/7813/
  • 42. Fiesta en Caraballeda, 1924. Óleo sobre lienzo. 67 x 95,5 cm. Recuperado de http://patrimoniodevargas.blogspot.com/2011/08/armando-reveron.html
  • 43. Períodoblanco (1925-1935) Hacia 1925, Reverón simplificó el uso de los colores en su investigación sobre el fenómeno de la luz e indagó en lo visual. Este período se extendió aproximadamente hasta 1935 y fue representado en obras como Luz tras mi enramada y Cocoteros en la playa, 1926; Macuto en oro y Marina y Cocoteros, ambas de 1931; Ranchos de Macuto, 1933 y Paisaje blanco, 1934 Recuperado de http://www.scielo.org.mx/img/revistas/tods/n29/a3f2.jpg Luz tras mi enramada, 1926. Óleo y carboncillo sobre tela, 48x64,4 cm.
  • 44. Cocoteros en la playa, 1926. Óleo sobre tela, 60.5 x 47.2 cm Recuperado de https://lfranbarc.wordpress.com/2011/01/27/ensayo/
  • 45. El rancho, 1930. Óleo sobre tela, 80 x 65 cm Recuperado de https://lfranbarc.wordpress.com/2011/01/27/ensayo/
  • 46. Períodosepia (1935-1947) A partir de 1935 comenzó a realizar cuadros de gran tamaño y a utilizar el color sepia. Su obra Desnudo acostado, 1947, para la que Juanita sirvió de modelo, mereció el Premio Nacional de Pintura en 1953. A este período también pertenecen las obras Puerto de la Guaira, 1940; Playa, 1941; El Playón, 1942; Amanecer en el Caribe, 1944. Desnudo acostado, 1947. Carboncillo, papel y tiza en papel encolado sobre cartón, 88,4 x 137,4 cm.
  • 47. Recuperado de http://lasartesenelrepublicano.blogspot.com/2008/11/la-pintura.html Puerto de la Guaira, 1940. Óleo sobre tela, 62,5 x 122,5 cm.
  • 48. El Playón, 1942. Óleo y temple sobre coleto, 114 x 148 cm. Recuperado de http://lasartesenelrepublicano.blogspot.com/2008/11/la-pintura.html
  • 49. Páginas Web consultadas • http://lasartesenelrepublicano.blogspot.com/2008/11/la- pintura.html • http://issuu.com/jendselgomez/docs/el_arte_en_venezuela.pptx • http://es.wikipedia.org/wiki/Armando_Rever%C3%B3n • http://patrimoniodevargas.blogspot.com/2011/08/armando- reveron.html • https://lfranbarc.wordpress.com/2011/01/27/ensayo/ • http://venciclopedia.com/index.php?title=Armando_Rever%C3%B3n • http://www.epdlp.com/pintor.php?id=350
  • 50. PLURALIDAD DE LA PINTURA EN VENEZUELA
  • 51. Introducción • En Venezuela, el arte de las primeras vanguardias aparece como repercusión tardía de los movimientos europeos de las dos primeras décadas del siglo XX. • Las primeras vanguardias se constituyen en varios grupos, desde mediados del siglo XX: el "Taller Libre de Arte", con su profunda transformación de la figuración y "Los Disidentes", con la introducción de la abstracción geométrica. Posteriormente, "El Techo de la Ballena" que se identificó con el informalismo, movimiento pictórico dentro de la abstracción y El "Círculo del Pez Dorado". • Los significados y modos de representación que los artistas expresan hacen la diferencia en cada una de las tendencias figurativas. En la Nueva Figuración, tendencia que surge en los años sesenta, la representación de la figura humana es tratada con mayor libertad interpretativa; se distorsiona, se desfigura, se deforma para lograr mayor expresividad, y está vigente. La abstracción se sigue desarrollando en todas sus tendencias, diversificando y ampliando sus experiencias y búsquedas. • Actualmente, hay un pluralismo que permite un amplio espectro de modalidades y variables de arte. A continuación, haremos un breve recorrido por las obras pictóricas de algunos artistas en diferentes épocas.
  • 52. ElisaElviraZuloaga Elhiguerote,1945 Óleosobretela 53,4x45,2cm Caracas, 1920 – 1980. En un comienzo la obra de Elisa Elvira Zuloaga guarda relación con la Escuela de Caracas, aunque hay en ella un rasgo interpretativo en la esquematización del paisaje, un elemento de intelectualización de las formas, que no se encuentra en la tradición de los paisajes caraqueños y que puede tener su origen en la influencia de André Lothe. Más que una representación del paisaje y la luminosidad tropical, lo que hallamos en su pintura es una visión subjetiva de nuestra naturaleza. Una delectación ante los árboles del trópico sirve para reiterar en sus obras, nunca realizadas del natural, los complicados y limpios arabescos de follajes y enramadas que se proyectan en el cielo barrocamente contrastado con líneas Escuetas y sencillas del paisaje en perspectiva plana.
  • 53. Alirio Rodríguez. 1934, El Callao, Ciudad Bolívar- Pintor y dibujante venezolano. Premio Nacional de Pintura, XXX Salón Oficial de Arte Venezolano, 1969. Sus obras, enmarcadas en la Nueva Figuración, giran en torno a una constante: la imagen del hombre en el espacio; figura dinamizada y martirizada por fuerzas ocultas, intenta elaborar una cronografía tomando como base los instintos y las reacciones psíquicas que experimenta el ser humano. Sin título, 1965. Óleo sobre tela, 49,5x 59,9 cm Ontogénesis, 1977
  • 54. JacoboBorges LaJugadora,1965 Óleosobretela 150x150cm Caracas, 1931- Pintor, dibujante, cineasta y escenógrafo. Esta obra está dotada de una fuerza expresiva sin precedentes. Un lenguaje de aliento visceral, dramático, conmovedor, donde se muestra las debilidades, vicios y corrupciones humanas. Representa la tendencia de la Nueva Figuración
  • 55. JacoboBorges HaciaelEste, Otoño,2011 Utilizando medios tecnológicos contemporáneos, como es la técnica duborcom con la que viene trabajando en los últimos años, Jacobo Borges “pinta” desde su computadora una diversidad de paisajes acumulados en su memoria, en los que se refleja un profunda trabajo de investigación sobre el color.
  • 56. Mario Abreu. 1919, Turmero – 1993, Caracas El llamado “maestro de los objetos mágicos”, lejano a los premios y a las bienales de arte, obtuvo, en 1975, el Premio Nacional de Artes Plásticas. Su pintura, testimonio del mestizaje cultural americano, se aproxima a la expresión surrealista. Se caracteriza por su rico y explosivo tratamiento del color; sus personajes son como salidos de algún sueño religioso y popular y sus paisajes tratados con una imaginación que bien puede recordar algún cuento infantil. Todo esto contrasta con una fuerte crítica social latente en el resto de sus trabajos. Selva Amazónica, 1956 Ave constelada, 1965 Óleo sobre tela, 127 x 127 cm
  • 57. Trío,1954 Óleosobretela,95,3x145cm Armando Barrios. Caracas, 1920-1999 Su obra, enmarcada en el cubismo se concentró en la búsqueda de una síntesis de línea y color que concilia el espíritu de la abstracción con una temática figurativa.
  • 58. AlirioOramas. Cometasypapagayos,1951 Óleo,grafitoytintachinasobretela 73,1x92,1cm Caracas, 1924- En 1951 obtiene el Premio Nacional de Pintura y a partir de este año se vislumbra el principio que animará su búsqueda futura: la pintura en serie, basada en formas sintetizadas, planas y composiciones resueltas gráficamente con un método asociativo parecido al del collage, cuando no realizadas como éstos. Colores divididos o distribuidos a manera de pequeñas puntuaciones. La síntesis plástica se apoya en las formas de objetos conocidos, como redes, cometas, hilos, sirviendo de estructura a la composición cromática.
  • 59. Sin título, 1955 Acrílico sobre madera, 150,7 x 100 cm Mateo Manaure, Monagas, 1926- Su obra ha pasado por distintas etapas, la primera, de tendencia representativa con temas clásicos como el desnudo, el paisaje y la naturaleza muerta, con un carácter gestual. Al ir a París, su obra evoluciona hacia la abstracción geométrica y luego se torna en abstracción lírica. Supo encontrar en la obra de Kandinsky la resonancia justa de su visión de la naturaleza tropical. Mateo Manaure trabajó alternadamente la representación y la abstracción, para luego asumir una figuración un tanto lírica, o más bien un paisajismo abstracto, como en su obra Suelos de mi tierra. Suelos de mi tierra, 1985 Oleo sobre tela, 100 x 120 cm
  • 60. José Vivenes. Maturín 1977 – Es uno de los más prolíferos y talentosos pintores de la nueva generación. Su especialización obsesiva, no en el retrato, sino en la pintura de rostros, o en la multiplicación de los rostros que pinta, es un fenómeno muy curioso y digno de ser estudiado, tanto por su significación en la pintura actual y en las sociedades de hoy, como por su coincidencia con planteamientos similares en diversos lugares del mundo, y sobre todo en Nueva York. Los de José Vivenes son rostros variadísimos, muy espontáneos y fascinantes. De pronto dejan de ser caras para no ser más que manchas, pero alguna predisposición contextual nos las hace ver como rostros. Cuando proliferan se despersonalizan y se vuelven anónimos. (Perán Erminy) Otro, 2009. Pigmento natural/pintura industrial/óleo/tela, 79 x 66 cm.
  • 61. Cuando pican la cochina (de los después del semáforo), 2009. Pigmento natural/pintura industrial/óleo/tela, 150 x 185 cm.
  • 62. Cuando te pintan, 2009. Pigmento natural/pintura industrial/óleo/tela, 107 x 137 cm.
  • 63. José Luis López-Reus. Caracas, 1966- Pintor, fotógrafo y artista de medios mixtos. La obra de Pepe López, ingeniero civil de formación, presenta, en su vasta heterogeneidad, dos enfoques distintivos: una etapa inicial, más íntima, centrada en los aspectos sensibles y perceptivos, producida a través de la materia de la obra; y una segunda, cuestionadora y crítica, volcada en problemas colectivos inherentes a la vida contemporánea. De Petare a la Pastora. Serie #1. Dibujo # 1, 2012. Acrílico y collage sobre papel. 120 x 80 cm Geometría desechable encapsulada, 2010 Bolsas plásticas de automercado encapsuladas en plexiglass 29 x 35 cm
  • 64. E 23, 2011. Acrílico sobre lienzo, 150x90 cm.B 30, 2012. Acrílico sobre tela, 45 x 35 cm. Jaime Gili. Caracas, 1972- A través de su carrera ha desarrollado un lenguaje abstracto universal de mediados del siglo XX dentro de la pintura contemporánea. Específicamente, su trabajo ha sido contextualizado como una revisión de la abstracción latinoamericana de los artistas ópticos y cinéticos Carlos Cruz Diez y Alejandro Otero.
  • 65. Páginas web consultadas • http://www.produccioncientifica.luz.edu.ve/index.php/rlh/article/viewFile /18449/18437 • http://www.arslatino.com/es/magazine/grandes-maestros/1-mario-abreu • http://vereda.ula.ve/wiki_artevenezolano/index.php/Abreu,_Mario • http://av.celarg.org.ve/Coleccion/AlirioRodriguez.htm • http://amantesartesvenezolanas.blogspot.com/2009/01/obras-del- maestro-alirio-rodrguez.html • http://artisticaconocimiento.blogspot.com/ • http://www.bcv.org.ve/blanksite/c3/colecarte/manaure/manaure1.htm • http://vivenes.com.ve/obras/pintura.html • http://beatrizgilgaleria.com/obras-en-catalogo/jaime-gili-pintura • http://es.artealdia.com/International/Contenidos/Resenas/Jose_Luis_Lo_ pez_Reus
  • 66. Conlusiones • Se ha visto a lo largo del desarrollo de este Portafolio como las diferentes culturas han influido en el desarrollo de la pintura en Latinoamérica. Desde la época prehispánica, con las creencias, ritos y costumbres en las diferentes regiones, pasando por el período de colonización, con su legado artístico; la influencia de las vanguardias europeas, hasta el presente, se ha consolidado una expresión que identifica la cultura de los pueblos latinoamericanos. • Actualmente, la pintura sigue vigente. El artista está en libertad de expresarse sin estar sujeto a una sucesión de estilos y tendencias artísticas. Ahora podemos decir que el arte latinoamericano ha traspasado fronteras.

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